It's not every day that one has the honour of interviewing a great contemporary and experimental musician: David First, like all great artists, has shown himself to be affable and available, enthusiastic, which for me is a renewed pleasure! Make the effort to discover, if you don't know it, David's music, full of drones, electronics, but also reggae, jazz, rock, psychedelism, with punk influences from the great era and, above all, an unfailing taste for music from all over the world, in complete freedom. Thank you David!
"I believe the only thing worth pursuing is the impossible. So I like to say as a kind of joke that “The reason I am an experimental composer because nothing has worked yet!" (David First)
Hello David, welcome to Le Scribe du Rock ! I am very honoured to interview you! Can you tell us in a few sentences who you are for the readers who don't know your work yet?
I am a composer/performer living in Brooklyn, NY. Much of my music explores trance-inducing spaces through acoustical phenomena, such as beating tones and sub tones. I most often work in the realm of microtonality and tuning systems that exist outside of the standard Western system of 12-equal temperament such as found on pianos, etc. I also work a lot with drones and long tones. Though I am probably mostly associated with the guitar, I have also released solo albums of harmonica and sitar, and play various small instruments such as slide whistles and jews harp, and both analog synthesizers and computer/software based instruments. These are all used to place a kind of microscope on the smallest elements of sound—through a set of procedures I refer to as Gestural Improvisation.
You have always conciliated a work focused on contemporary music, drones and interference beats, and another one in what we call "avant-rock" or rock avant-garde...I think in particular of your bands The Notekillers, with whom you started in the punk era (1977) and also the Joy Buzzers...can you tell us about your musical influences ? How did you find yourself in these different universes ?
I grew up in the psychedelic 60s and the earliest influences on my music came from listening to the rock bands of that era such as the Grateful Dead, Quicksilver Messenger Service, the Syd Barrett version of Pink Floyd, the Velvet Underground, Captain Beefheart, the Mothers of Invention, and many others. These were the bands that were exploring extended forms, non-Western influences, and new, often electronic sound possibilities. I also fell under the heavy influence of acoustic players such as Sandy Bull and John Fahey and blues musicians such as Muddy Waters, Howlin Wolf, and John Lee Hooker. All of these people led me to exploring music outside of Western pop/rock music, including various forms of Indian music, African music, as Balinese, Korean, as well as certain important players of jazz such as John Coltrane, Cecil Taylor, Ornette Coleman, Albert Ayler, and the compositions and writings of composers like John Cage and Karlheinz Stockhausen. Another less obvious, perhaps, but important influence on the Notekillers was the funk music of James Brown, Parliament/Funkadelic, and early Kool and the Gang. It was always my goal to achieve a kind of synthesis of all of these influences, but without losing my sense of spirit energy that I developed as a teenage rock and roller.
Can you tell us how punk music has marked you ?By the early 70s I had pretty much left behind my original rock heroes who had mostly either died, had their bands break up, or ended their deep explorations. I stopped listening to song-based music altogether and was listening only to more abstract forms such as free-jazz and avant-classical music and electronic music. But then I discovered reggae music and I fell in love with it. Here was a music that was song-based but with a true sense of purpose AND a serious hypnotic power to it. Many of the great later innovations in audio production have their roots in reggae and with it, my belief in the possibility of song-form returned. This also became true to a certain extent with the establishment of punk rock. I began to re-establish my relationship with shorter, formal structures with the Notekillers during this time, with idea of also infusing our sound with everything else I had done prior, which included at this point a performance in pianist Cecil Taylor’s large ensemble and studying analog synthesis on a Buchla 100 at Princeton University. Punk rock was an amazing resetting back to the elemental roots of rock music, and a re-examination of the idea of performance and the necessary skills involved in playing music. Also, most importantly, it expanded the roles of women and people of color in the music, as, for the first time there was a large inclusion of non-white males in bands. It was a very significant time, but, of course, I had already been playing music for a dozen years at that point. So for me, it was, for sure, a type of inspiration and even influence, but it was not what motivated me to begin playing music for the first time as it was for so many others.
To talk about your actuality, you released this year The Consummation Of Right And Wrong with The Western Enisphere...A work whose theme revolves around science and shamanism...Can you tell us more about it, both musically and thematically ? Critics have spoken about this album as a "drone manifesto"...does it suit you?
Sure, I have no problem with that description. The title is a reference to the fact that it was my attempt to examine and then demonstrate the many possible ways one could combine opposites—melody with no melody, Acoustic instruments with computer sounds. Pulsing rhythm with free-flow, improvisation with completely notated composition, intuitive spontaneity and intellectual calculations, etc. And all with drones of various densities and durations. It was almost a way to prove that inspired players—in this case, my ensemble, The Western Enisphere—can make music out of anything they are given. It’s not exactly true, of course, but that is what alchemy is all about—taking mundane materials and converting them into something of great value through magic. I believe very strongly that magic is the only thing that is worth understanding and that the impossible is the only thing worth pursuing. Everything else is just more stuff—more art, more product, more things, more pollution of our senses and our environment. I’m not saying I have all the answers, but I’m trying my best to ask the right questions.
This year also saw the release of The Best We can by New Party Systems, an interpretation of songs you wrote in a more accessible register, we could even say pop/jazzy...Can you tell us about this album in particular?
Well, maybe once every ten years or so, I am inspired to do something musically that has a more clear and obvious social, even political, connection with society. These inspirations are quite often due to something happening in the world that everyone recognizes as significant. I lived two blocks from Ground Zero in lower Manhattan the day of, and the weeks and months after, 9/11, for example, and I wrote a song about the toughness of New Yorkers that I burned to CDRs and gave out all over the city for a few months after. I wrote a song during the Occupy Wall Street movement that featured Kyp Malone of TV on the Radio and two members of the black metal band Liturgy that became an anthem to many in the movement. This most recent album, That Best We Can, was inspired by both the Covid pandemic and the Black Lives Matter movement. The idea came to me in a dream I had the spring of 2020 in which it was after all problems had been solved—no more pandemic and everyone respected and appreciated everyone else. I was performing with singers this heavenly music of celebration I had written that was so glorious—it was like a kind of universal gospel music. I was never inspired by a dream before, but I woke up so moved by the sound, and the feeling I had of overwhelming optimism that I felt like I had to try to capture even a little of it. Prior to this I had no intention of working on anything during this original quarantine period, but I began almost immediately to work on this album. I don’t know if I even came close to what I did in my dream, but in my view, you’ve achieved something, if only for your own personal growth, if you even come within 10% of an unrealistic goal. In any case, I brought a few people together who were, I believe, uplifted by their involvement with the project during a very difficult time, and there were many people who wrote to me to tell me how much the music helped them get through some tough, lonely and scary times.
Any news about the Notekillers?
I never know about the Notekillers and I have given up guessing. We were originally together from 1977 to 1981 and when we broke up, there were very few people who knew about us. I would have bet a million dollars that we would have never played together again, but we reunited in 2004 after Sonic Youth’s Thurston Moore talked about us as an influence in Mojo Magazine and then asked us to put an album out of our old stuff on his Ecstatic Peace label. We played together again from then until about 2013—more than twice as long as our first incarnation. Then we got back together to release a new album (our third) and play at a festival in North Carolina called Hopscotch in 2016. For a while I thought that was the end, but in February 2020, there was a two-night celebration of my music in Philadelphia. Since that was where we were from—and the other two guys still lived there, I decided to get the band back together one more time. Barry (drums) and Stephen (bass) played on a new drone piece of mine with The Western Enisphere, and then some of the ensemble played on a couple of Notekillers tunes. It was a lot of fun, and we were planning on doing some more shows, but everyone knows what happened soon after that. Maybe live shows will return in time for us to get back together again! That would be nice. I have been blessed to play with some of the best musicians around, but I have been playing with these two guys since we were teenagers—ten years even before the Notekillers! We have a special communication that is almost tribal. Plus we have a shared history of crazy events and stories that we still laugh about over 50 years later.
You also collaborated with Kid Millions, Rhys Chatham and Bernard Gann on a two-track EP called Matter Waves...It features your characteristic drones...how did this collaboration happen?
I’ve known Rhys on and off since the late 80’s and I first met Bernard when he was still a boy since he’s the son of renowned composer and music critic Kyle Gann. Kid and I connected through a mutual friend after I moved from Manhattan to Brooklyn in the early 2000s and I began to explore the Brooklyn “indie” scene. The Notekillers had re-emerged and were playing with bands much younger than us. It was a fun time—we were being appreciated much more than when we were originally together. Kid and I became friends and started jamming together. At our first jam, an important music curator unexpectedly stopped by and after listening to a little bit, he immediately asked us to participate in an important festival here in NYC. After that, we began making plans to perform more, and soon Bernard became part of things. Rhys’s involvement came about because he was in town to rehearse for a show with Kid’s main band at the time, Oneida. So Kid asked if he would like to sit in with us for a show that was taking place during his stay. It was a great night and I’m very glad it was captured in a very high quality multi-track form that led to the album you mention.
Another release, this time a compilation of your work around drones between 1996 and 2009, "Privacy Issues"...Can you tell us about this particular period that started in 1996 ?
Privacy Issues is a collection of my works that were not really made with the intention of release—I made most of them simply as personal explorations. Which is where the title came from. But Phill Niblock, the master drone composer and head of XI records asked me to do something for the label. It started out based on a piece he’d heard me perform in Berlin, and I took advantage of the opportunity to have a bunch of these other pieces heard that I had accumulated, and even record a couple of new ones.
If you could tell us what brought you to work with drones?
I suppose it is rooted in my love of psychedelic music of all types—whether the rock music of the 60s, the music of India, various parts of the African continent, the Middle East, early acoustic blues, etc. I’ve always been attracted to musics that have the trance-inducing qualities of repetition and static harmonic structures that alter your consciousness. I was entranced by it pre-drugs and also post-drugs. But surely drugs have played their part!
If David First was a proverb, a quote?
Well, as I said earlier, I believe the only thing worth pursuing is the impossible. So I like to say as a kind of joke that “The reason I am an experimental composer because nothing has worked yet!”
Your next projects?
I am currently working on a new large ensemble piece for the Western Enisphere called “Revolutions.” We have already presented preliminary versions of it a couple of times, but I’ve been revising the material and adding many new details, so I think the next version—which we will record at some point soon—will be far beyond what we’ve done so far in many ways. I also plan on more volumes of my “Same Animal, Different Cages” series—solo albums devoted to single instruments. I am continuing to create video works and when the pandemic is over I hope to go back presenting my “Dave’s Waves Sonic Restaurant” project, which is a sound and visual installation that I have presented in various cities around the world, but have been doing regularly in an actual former luncheonette here in Brooklyn for the past two years prior to the lockdown. It’s a great way to present experimental work and a fun social experience.
Thank you very much and I leave you the last words:
I just want to say that for me, music is very much a kind of yoga. The electronic tools we all have these days make many things possible that would have been unimaginable even 20 years ago. And that we have them in our homes is incredible. We can now create with a digital precision and technical virtuosity that is a composer’s dream. But I still believe that the human element, with all of its flaws and frailties, is supremely important. Striving to achieve mastery with their minds and bodies, breath and limbs is the way our ancestors expanded their perceptions for thousands of years. And I don’t think we’re finished yet with those ways of working. We can use certain new inventions to enhance and color these experiences, but, in my opinion, nothing is as powerful as the human effort to touch something that appears out of reach, or tune into a frequency that few can hear. When sensitive and creative musicians express something they feel deep inside, the result is the most profound programming possible.
davidfirst.bandcamp.com
www.davidfirst.com
Ce n'est pas tous les jours que l'on a l'honneur d'interviewer un grand de la musique contemporaine et experimentale : David First, comme tous les grands artistes, s'est montré affable et disponible, enthousiaste, ce qui pour moi un plaisir renouvelé ! Faites l'effort de découvrir, si vous ne la connaissez pas, la musique de David, empreinte de drones, d'électronique, mais aussi de reggae, de jazz, de rock, de psychédélisme, avec des influences punk de la grande époque et, surtout, un indéfectible goût pour la musique du monde entier, en toute liberté. Merci David !
Bonjour David, bienvenue dans le Scribe du Rock ! Je suis très honoré de vous interviewer ! Pouvez-vous nous dire en quelques phrases qui vous êtes pour les lecteurs qui ne connaissent pas encore votre travail ?
Je suis un compositeur/interprète qui vit à Brooklyn, NY. Une grande partie de ma musique explore les espaces qui induisent la transe par le biais de phénomènes acoustiques, tels que les battements et les sous-tons. Je travaille la plupart du temps dans le domaine des micro-tonalités et des systèmes d’accordage qui existent en dehors du système occidental des 12 tempéraments égaux standards, comme au solfège Je travaille également beaucoup avec les drones et les sons longs. Bien que je sois probablement surtout associé à la guitare, j'ai également publié des albums solo d'harmonica et de sitar, et je joue de divers petits instruments comme les sifflets à coulisse et la guimbarde, ainsi que des synthétiseurs analogiques et des instruments basés sur des ordinateurs ou des logiciels. Tous ces instruments sont utilisés pour placer une sorte de microscope sur les plus petits éléments du son, grâce à un ensemble de procédures que j'appelle l'improvisation gestuelle.
Vous avez toujours concilié un travail axé sur la musique contemporaine, les drones et les beats d'interférences, et un autre dans ce que l'on appelle l'"avant-rock" ou l'avant-garde rock... Je pense notamment à vos groupes The Notekillers, avec lesquels vous avez débuté à l'époque punk (1977) et aussi les Joy Buzzers... pouvez-vous nous parler de vos influences musicales ? Comment vous êtes-vous retrouvés dans ces différents univers ?
J'ai grandi dans les années 60 psychédéliques et les premières influences sur ma musique sont venues de l'écoute des groupes de rock de cette époque tels que les Grateful Dead, Quicksilver Messenger Service, la version Syd Barrett de Pink Floyd, le Velvet Underground, Captain Beefheart, les Mothers of Invention, et bien d'autres. Ce sont ces groupes qui exploraient des formes élargies, des influences non occidentales et de nouvelles possibilités sonores, souvent électroniques. Je suis également tombé sous la forte influence de musiciens acoustiques comme Sandy Bull et John Fahey et de musiciens de blues comme Muddy Waters, Howlin Wolf et John Lee Hooker. Toutes ces personnes m'ont amené à explorer la musique en dehors de la musique pop/rock occidentale, y compris diverses formes de musique indienne, la musique africaine, comme la musique balinaise, coréenne, ainsi que certains joueurs importants de jazz comme John Coltrane, Cecil Taylor, Ornette Coleman, Albert Ayler, et les compositions et écrits de compositeurs comme John Cage et Karlheinz Stockhausen. Une autre influence moins évidente, peut-être, mais importante sur les Notekillers est la musique funk de James Brown, Parliament/Funkadelic, et des débuts de Kool and the Gang. Mon objectif a toujours été de parvenir à une sorte de synthèse de toutes ces influences, mais sans perdre l'énergie spirituelle que j'ai développée lorsque j'étais adolescent et que je faisais du rock and roll.
Pouvez-vous nous dire comment la musique punk vous a marqué ?
Au début des années 70, j'avais à peu près laissé derrière moi mes héros rock d'origine qui étaient pour la plupart soit morts, soit avaient vu leur groupe se séparer, soit avaient mis fin à leurs profondes explorations. J'ai complètement arrêté d'écouter de la musique basée sur des chansons et je n'écoutais que des formes plus abstraites comme le free-jazz, la musique contemporaine et la musique électronique. Mais ensuite, j'ai découvert la musique reggae et j'en suis tombé amoureux. C'était une musique basée sur la chanson, mais avec un véritable sens de l'objectif ET un sérieux pouvoir hypnotique. Beaucoup des grandes innovations ultérieures dans la production audio ont leurs racines dans le reggae et avec lui, ma croyance dans les diverses possibilités offertes par la forme chanson est revenue. Cela s'est également vérifié dans une certaine mesure avec l'avènement du punk rock. À cette époque, j'ai commencé à rétablir ma relation avec des structures formelles plus courtes avec les Notekillers, avec l'idée d'infuser également notre son avec tout ce que j'avais fait auparavant, ce qui comprenait à ce moment-là une performance dans le grand ensemble du pianiste Cecil Taylor et l'étude de la synthèse analogique sur un Buchla 100 à l'université de Princeton. Le punk rock a été un incroyable retour aux racines élémentaires de la musique rock, et un réexamen de l'idée de performance et des compétences nécessaires pour jouer de la musique. Mais surtout, il a élargi le rôle des femmes et des personnes de couleur dans la musique, puisque, pour la première fois, les hommes et femmes non blancs ont été largement inclus dans les groupes. C'était une époque très importante, mais, bien sûr, je jouais déjà de la musique depuis une douzaine d'années à ce moment-là. Pour moi, c'était donc une sorte d'inspiration et même d'influence, mais ce n'est pas ce qui m'a motivé à commencer à jouer de la musique comme cela a été le cas pour tant d'autres.
Pour parler de votre actualité, vous avez sorti cette année The Consummation Of Right And Wrong avec The Western Enisphere...Une œuvre dont le thème tourne autour de la science et du chamanisme...Pouvez-vous nous en dire plus, tant musicalement que thématiquement ? Les critiques ont parlé de cet album comme d'un "manifeste du drone"... Est-ce que cela vous convient ?
Bien sûr, je n'ai aucun problème avec cette description. Le titre fait référence au fait que j'ai essayé d'examiner puis de démontrer les nombreuses façons dont on peut combiner les contraires : mélodie sans mélodie, instruments acoustiques avec sons d'ordinateur. Rythme pulsé avec flux libre, improvisation avec composition entièrement notée, spontanéité intuitive et calculs intellectuels, etc. Et tout cela avec des drones de densités et de durées différentes. C'était presque une façon de prouver que des musiciens inspirés - dans ce cas, mon ensemble, The Western Enisphere- peuvent faire de la musique à partir de tout ce qu'on leur donne. Ce n'est pas tout à fait vrai, bien sûr, mais c'est ce qu'est l'alchimie : prendre des matériaux banals et les transformer en quelque chose de grande valeur par la magie. Je crois fermement que la magie est la seule chose qui mérite d'être comprise et que l'impossible est la seule chose qui mérite d'être poursuivie. Tout le reste n'est que du "toujours plus" - plus d'art, plus de produits, plus de choses, plus de pollution de nos sens et de notre environnement. Je ne dis pas que j'ai toutes les réponses, mais je fais de mon mieux pour poser les bonnes questions.
Cette année a également vu la sortie de The Best We Can de New Party Systems, une interprétation de chansons que vous avez écrites dans un registre plus accessible, on pourrait même dire pop/jazzy...Pouvez-vous nous parler de cet album en particulier ?
Eh bien, peut-être une fois tous les dix ans environ, je suis inspiré pour faire quelque chose musicalement qui a un lien social, voire politique, plus clair et plus évident avec la société. Ces inspirations sont assez souvent dues à quelque chose qui se passe dans le monde et que tout le monde reconnaît comme important. J'ai vécu à deux blocs de Ground Zero dans le bas de Manhattan le jour du 11 septembre, ainsi que les semaines et les mois qui ont suivi, par exemple, et j'ai écrit une chanson sur la dureté des New-Yorkais que j'ai gravée sur des CDR et que j'ai distribuée dans toute la ville pendant quelques mois après. J'ai écrit une chanson pendant le mouvement Occupy Wall Street qui mettait en scène Kyp Malone de la télévision à la radio et deux membres du groupe de black metal Liturgy qui est devenu un hymne pour de nombreux membres du mouvement. Ce dernier album, That Best We Can, a été inspiré à la fois par la pandémie Covid et par le mouvement Black Lives Matter. L'idée m'est venue dans un rêve que j'ai fait au printemps 2020, après que tous les problèmes aient été résolus - plus de pandémie et tout le monde respectait et appréciait les autres. Je jouais avec des chanteurs cette musique céleste de fête que j'avais écrite et qui était si glorieuse - c'était comme une sorte de gospel universel. Je n'avais jamais été inspirée par un rêve auparavant, mais je me suis réveillée tellement émue par le son et le sentiment d'optimisme débordant que j'ai eu l'impression de devoir essayer d'en capturer ne serait-ce qu'un peu. Avant cela, je n'avais aucune intention de travailler sur quoi que ce soit pendant cette période de quarantaine initiale, mais j'ai commencé presque immédiatement à travailler sur cet album. Je ne sais pas si je me suis approché de ce que j'ai fait dans mon rêve, mais à mon avis, vous avez accompli quelque chose, ne serait-ce que pour votre propre croissance personnelle, si vous vous approchez même de 10 % d'un objectif irréaliste. En tout cas, j'ai rassemblé quelques personnes qui ont été, je crois, remontées par leur participation au projet pendant une période très difficile, et beaucoup de gens m'ont écrit pour me dire combien la musique les avait aidées à traverser des moments difficiles, solitaires et effrayants.
Des nouvelles des Notekillers ?
Je ne sais jamais ce qu'il va advenir avec les Notekillers et j'ai arrêté d'essayer de deviner. Nous avons été ensemble de 1977 à 1981 et quand nous nous sommes séparés, très peu de gens savaient que nous existions. J'aurais parié un million de dollars que nous ne jouerions plus jamais ensemble, mais nous nous sommes retrouvés en 2004 après que Thurston Moore, de Sonic Youth, ait parlé de nous comme d'une influence dans le magazine Mojo et nous ait ensuite demandé de sortir un album de nos vieux trucs sur son label Ecstatic Peace. Nous avons joué à nouveau ensemble jusqu'en 2013 environ, soit plus de deux fois plus longtemps que notre première incarnation. Nous nous sommes ensuite réunis pour sortir un nouvel album (notre troisième) et jouer à un festival en Caroline du Nord appelé Hopscotch en 2016. Pendant un moment, j'ai cru que c'était la fin, mais en février 2020, il y a eu une célébration de deux nuits de ma musique à Philadelphie. Comme c'était là d'où nous venions - et que les deux autres gars y vivaient encore - j'ai décidé de reformer le groupe une fois de plus. Barry (batterie) et Stephen (basse) ont joué sur un de mes nouveaux morceaux de drone avec The Western Enisphere, puis une partie de l'ensemble a joué sur quelques morceaux de Notekillers. C'était très amusant, et nous avions prévu de faire d'autres spectacles, mais tout le monde sait ce qui s'est passé peu après. Peut-être que les spectacles en direct reviendront à temps pour que nous nous retrouvions ! Ce serait bien. J'ai eu la chance de jouer avec certains des meilleurs musiciens du coin, mais je joue avec ces deux gars depuis notre adolescence - dix ans avant même les Notekillers ! Nous avons une communication spéciale qui est presque tribale. De plus, nous avons une histoire commune d'événements et d'histoires folles dont nous rions encore plus de 50 ans après.
Vous avez également collaboré avec Kid Millions, Rhys Chatham et Bernard Gann sur un EP deux titres intitulé Matter Waves... Il met en scène vos drones caractéristiques... comment s'est passée cette collaboration ?
Je fréquente Rhys de temps en temps depuis la fin des années 80 et j'ai rencontré Bernard pour la première fois quand il était encore un jeune garçon puisqu'il est le fils du célèbre compositeur et critique musical Kyle Gann. Le gamin et moi nous sommes liés par un ami commun après que j'ai déménagé de Manhattan à Brooklyn au début des années 2000 et que j'ai commencé à explorer la scène "indie" de Brooklyn. Les Notekillers avaient refait surface et jouaient avec des groupes beaucoup plus jeunes que nous. C'était une époque amusante - on nous appréciait beaucoup plus qu'à nos débuts. Le gamin et moi sommes devenus amis et avons commencé à jammer ensemble. Lors de notre premier jam, un important conservateur de musique est passé à l'improviste et après avoir écouté un peu, il nous a immédiatement demandé de participer à un important festival ici à New York. Après cela, nous avons commencé à faire des projets pour nous produire davantage, et bientôt Bernard s'est joint à nous. L'implication de Rhys est venue du fait qu'il était en ville pour répéter pour un spectacle avec le groupe principal de Kid à l'époque, Oneida. Kid a donc demandé s'il souhaitait venir avec nous pour un spectacle qui se déroulait pendant son séjour. C'était une grande soirée et je suis très heureux qu'elle ait été capturée sous une forme multipiste de très haute qualité qui a conduit à l'album que vous mentionnez.
Une autre parution, cette fois une compilation de votre travail sur les drones entre 1996 et 2009, Privacy Issues... Pouvez-vous nous parler de cette période particulière qui a débuté en 1996 ?
Privacy Issues est une collection de mes travaux qui n'ont pas vraiment été réalisés dans l'intention de les publier - j'ai réalisé la plupart d'entre eux simplement comme des explorations personnelles. C'est de là que vient le titre. Mais Phill Niblock, le maître compositeur de drones et directeur de XI records m'a demandé de faire quelque chose pour le label. Tout a commencé sur la base d'un morceau qu'il m'avait entendu jouer à Berlin, et j'ai profité de l'occasion pour faire entendre un tas de ces autres morceaux que j'avais accumulés, et même en enregistrer quelques nouveaux.
Si vous pouviez nous dire ce qui vous a amené à travailler avec des drones ?
Je suppose que cela est dû à mon amour de la musique psychédélique en tous genres - que ce soit le rock des années 60, la musique de l'Inde, de diverses parties du continent africain, du Moyen-Orient, du blues acoustique des débuts, etc. J'ai toujours été attiré par les musiques qui ont les qualités de répétition qui induisent la transe et les structures harmoniques statiques qui altèrent votre conscience. J'ai été séduit par ces musiques avant et après la drogue. Mais les drogues ont sûrement joué leur rôle !
Si David First était un proverbe, une citation ?
Eh bien, comme je l'ai dit plus tôt, je crois que la seule chose qui vaille la peine d'être poursuivie est l'impossible. C'est pourquoi j'aime dire, pour plaisanter, que "si je suis un compositeur expérimental, c'est parce que rien n'a encore fonctionné !
Vos prochains projets ?
Je travaille actuellement sur une nouvelle pièce pour grand ensemble pour l'Enisphère Ouest appelée "Revolutions". Nous en avons déjà présenté des versions préliminaires à plusieurs reprises, mais j'ai révisé le matériel et ajouté de nombreux détails. Je pense donc que la prochaine version - que nous enregistrerons bientôt - sera bien au-delà de ce que nous avons fait jusqu'à présent, à bien des égards. Je prévois également d'autres volumes de ma série "Same Animal, Different Cages" - des albums solo consacrés à des instruments uniques. Je continue à créer des œuvres vidéo et, lorsque la pandémie sera terminée, j'espère revenir présenter mon projet "Dave's Waves Sonic Restaurant", qui est une installation sonore et visuelle que j'ai présentée dans différentes villes du monde, mais que je faisais régulièrement dans un ancien déjeuner ici à Brooklyn au cours des deux dernières années avant le confinement. C'est une excellente façon de présenter un travail expérimental et une expérience sociale amusante.
Merci beaucoup et je vous laisse les derniers mots :
Je veux juste dire que pour moi, la musique est une sorte de yoga. Les outils électroniques dont nous disposons tous de nos jours rendent possibles beaucoup de choses qui auraient été inimaginables il y a encore 20 ans. Et le fait que nous les ayions chez nous est incroyable. Nous pouvons maintenant créer avec une précision numérique et une virtuosité technique dont rêve un compositeur. Mais je continue à croire que l'élément humain, avec tous ses défauts et ses faiblesses, est extrêmement important. S'efforcer d'atteindre la maîtrise avec leur esprit et leur corps, leur souffle et leurs membres est la façon dont nos ancêtres ont élargi leurs perceptions pendant des milliers d'années. Et je ne pense pas que nous en ayons encore fini avec ces façons de travailler. Nous pouvons utiliser certaines nouvelles inventions pour améliorer et colorer ces expériences, mais, à mon avis, rien n'est aussi puissant que l'effort humain pour toucher quelque chose qui semble hors de portée, ou pour s'accorder sur une fréquence que peu de gens peuvent entendre. Lorsque des musiciens sensibles et créatifs expriment quelque chose qu'ils ressentent au plus profond d'eux-mêmes, le résultat est la programmation la plus profonde possible.
davidfirst.bandcamp.com
www.davidfirst.com
Commentaires
Enregistrer un commentaire